Екскурзоводът на музея на Пушкин Алина Аксенова и дипломираният историк на изкуството Наталия Игнатова съставиха списък на най-значимите картини в света . Те не само ни разказват какво точно е изобразил художникът, но и обясняват защо тази или онази картина е толкова важна за историята на световното изкуство .
Представяме ви списъка от 25 картини, които всеки образован човек трябва да познава :
Сандро Ботичели. "Раждането на Венера" (1486)
Стил: ранен Ренесанс
Описание на картината: водена от бога на вятъра Зефир, който е прегърнат от съпругата си, богинята на природата Флора, голата Венера се носи до брега в черупката на мида. Ефирът е пълен с цветя. В позата на богинята на любовта, в начина, по който се подпира на един крак, се вижда влиянието на класическата гръцка скулптура. Черупката в древността символизира плодородието, чувствените удоволствия и сексуалността. В християнската интерпретация това започва да означава чистота и невинност.
Произведенията на Сандро Ботичели като цяло са на кръстопът между Средновековието и Ренесанса. Той не изписва детайлите, фонът е много плосък, водата е изпълнена небрежно. Всичко, включително Венера, е ефирно и неправдоподобно. Вземайки древен сюжет, художникът не се опитва да покаже красотата на женското тяло, богинята на любовта се оказа възвишена и одухотворена. Изследователите установяват, че Ботичели е нанесъл върху картината защитен слой от яйчен жълтък, благодарение на което тя е много добре запазена.
Местоположение: Италия, Флоренция, галерия Уфици.
Йеронимус Бош. "Градината на земните удоволствия" (1510)
Стил: ранен Ренесанс
Описание на картината: триптихът получава името си от централната част, посветена на греха на сладострастието. Отляво е раят, в центъра е светът на удоволствията, а отдясно е адът, където ще отидат грешниците. В същото време в рая вече се наблюдават някои странности. Например има сцени на насилие: животните се ядат помежду си, въпреки че се смята, че нищо подобно не се е случило преди грехопадението на Адам и Ева. В централната част изображенията са по-разбираеми: там влюбените седят в сапунен мехур, изолиран от целия свят. Идилията им обаче е илюзорна, балонът може да се спука всеки момент. Сред по-разбираемите символи е мидената черупка - алегорично представяне на женската природа. От дясната страна Бош изобразява машини за мъчения под формата на музикални инструменти, които се използват за наказване на грешници. Тук можете да видите и лице, което ни гледа от снимката: "запазена марка" на художника.
Северният ренесанс е различен от италианския. Той не съдържа идеята за триумфа на човека в света като венец на творението. Човек се разглежда с всичките му предимства и недостатъци, така че картините на Бош са разговор за морала. Художникът в своите картини илюстрира различни притчи, които са били известни в Холандия по това време. Следователно можете да разберете напълно работата само ако внимателно я разгледате и се опитате сами да разрешите всички загадки, оставени от художника.
Местоположение: Испания, Мадрид, музей Прадо.
Микеланджело Буонароти. "Сътворението на Адам" (1511)
Стил: Висок Ренесанс.
Описание на картината: едно от най-важните произведения на Високия Ренесанс се намира под тавана на Сикстинската капела. Можете да видите творението на Микеланджело само ако вдигнете глава. В центъра на композицията художникът поставя ръцете на Бог Отец и Адам, които се протягат една към друга. Бог със своята творческа енергия като че ли дава импулс на душата на Адам, но в същото време божественото и човешкото не се обединяват.
Художникът показа целия си талант в тази работа. При техниката на открито, когато боята се нанася върху мокра мазилка, трябва да работите много бързо, докато основата е още мокра. Невъзможно е да се поправи нещо. В случай на грешка би било необходимо да се отчупи мазилката и да се направи всичко отначало. „Сътворението на Адам” е абсолютно въплъщение на идеите на Ренесанса, когато древният култ към тялото и духовността на християнството се преплитат. До 16 век вече е станало ясно по какъв начин ще върви развитието на изкуството и Микеланджело отразява всички важни етапи в работата си.
Местоположение: Ватикана, Сикстинската капела.
Рафаел Санти. "Сикстинската мадона" (1514)
Стил: Висок Ренесанс.
Описание на картината: платното изобразява Мадоната с младенеца. До тях са папа Сикст II и света Варвара. Богородица слиза от небето директно към наблюдателя и го гледа в очите. В този образ Рафаел успява да свърже два свята. Ако в средновековните образи всичко божествено винаги е било нематериално, то през Ренесанса образите на светците стават по-човечни. Дори небесата изглеждат толкова плътни, че земна жена с дете на ръце може да мине през тях. В погледа й се отгатва тревога за съдбата на сина й. Любопитно е, че папата сваля тиарата си пред Мадоната, въпреки че по време на литургиите, тоест пред Бога, винаги я носи.
Истинската популярност на картината идва едва през 19 век, когато на Сикстинската Мадона започва да се възхищава цяла Европа, включително Русия. Дори Александър Пушкин й се възхищавал, въпреки че никога не е бил в чужбина. Ангелите в долната част правят картината популярна още през 20 век, когато търговците започват да ги използват в рекламата. Любопитно е, че фонът зад Мадоната, който изглежда като облаци, е сякаш изтъкан от глави на ангели.
Местоположение: Германия, Дрезден, Галерия на старите майстори.
Леонардо да Винчи. "Мона Лиза" (1519)
Стил: Висок Ренесанс
Описание на картината: известната картина, която дори и днес предизвиква противоречия между зрители и критици. Любопитно е, че изобщо са могли да забравят за нея. "Мона Лиза" дълго време е била съхранявана в банята и видът й е доста увреден, а по-късно се озовава в складовете на музея. Извадена е и реставриран по заповед на Наполеон.
Добива истинска популярност едва през 20-ти век и то съвсем не заради легендата за блуждаещия поглед и полуусмивка, а благодарение на кражбата си през август 1911г. Джокондата е открадната от италианския майстор на огледала Винченцо Перуджа, който го е направил по патриотични причини. Той искал да върне картината в родината на Леонардо, въпреки че самият майстор я донесъл във Франция. В резултат на това границите били затворени, администрацията на Лувъра била уволнена, а известни личности като поета Гийом Аполинер и художника Пабло Пикасо били разследвани. Случаят получи огромен отзвук и когато картината беше върната, всички вестници съобщиха за това и цялата планета разбра за това. Всъщност славата на "Мона Лиза" възниква благодарение на усилията на пресата. "Мона Лиза" бе първият шедьовър, който целият свят видя: беше изложена както в САЩ, така и в СССР. Така дамата, чиято самоличност все още не е известна, стана първият "глобализатор".
Местоположение: Франция, Париж, Лувър.
Тициан Вечелио. "Даная" (1554)
Стил: Късен Ренесанс.
Описание на картината: Сюжетът на платното на Тициан се основава на мита за Даная, от чиято красота Зевс е пленен и влиза в спалнята й под формата на златен дъжд. В резултат на това се ражда Персей. Общо са нарисувани пет Данаи, които се съхраняват в музеи по света.
Художникът е венецианец и живописната школа на този град е много различна от това, което правят италианците по това време. По-специално във Венеция имало специално отношение към светлината. Мнозина дори наричат Тициан предшественик на импресионизма. Даная на неговото платно е венециански образ на древна дама, която е в състояние на еротична умора. Тя изглежда като проста жена със своите земни желания. Преди Тициан художниците не са се осмелявали да изобразяват чувствеността по такъв начин.
Местоположение: Русия, Санкт Петербург, Ермитаж.
Микеланджело да Караваджо. "Полагане в гроба" (1603)
Стил: барок.
Описание на картината: казвали за Караваджо, че е блестящо чудовище. Той получил този прякор заради плашещия реализъм в картините си. Той не се колебаел да изобразява светци с мръсни ръце, крака и следи от тен. Картината "Полагането в гроба" е създадена за църквата Киеза Нуово. За да изглежда картината естествена, Караваджо изкопавал трупове от гробовете, донасял ги в работилницата си и принуждавал моделите си да ги държат да висят. Тези, които отказвали, художникът заплашвал с убийство.
В допълнение към реализма, Караваджо се характеризира с преосмисляне на светлината и сянката в творбите си. Само на пръв поглед картините му изглеждат мрачни. За да подсили драмата, художникът потапя всичко, което се случва, в мрак, и подчертава ключовите композиционни моменти със странични въздействия на светлината. Караваджо обърнал нова страница в историята на живописта, по-късно неговите открития били развити в епохата на барока. Между другото, "Полагането в гроба" в крайна сметка било отхвърлено от духовенството.
Местоположение: Ватикана, Пинакотека.
Петер Паул Рубенс. „Изнасилването на дъщерите на Левкип“ (1618)
Стил: барок.
Описание на картината: една от най-разпознаваемите картини на Рубенс. Сюжетът се основава на мита за братята Диоскури, синовете на Зевс и Леда, които отвлекли дъщерите на цар Левкип. Рубенс станал известен с изобразяването на пухкави жени. А на тази картина те са толкова огромни, че изглежда, че похитителите са на път да паднат под тежестта им. Всички фигури са вписани в кръг. Цветовото решение е изградено върху контрасти: бледите тела на голи жени контрастират със силни загорели мъже. Декоративният ефект се подсилва от многоцветни тъкани.
Картината е класическа творба в бароков стил, жизнелюбиво направление в изкуството. През 17 век хората вече усещат преходността на живота и това кара хората да възприемат света около себе си по различен начин. Следователно в отвличането няма драма, няма страдание – всичко изглежда просто като игра.
Местоположение: Германия, Мюнхен, Старата пинакотека.
Диего Веласкес. Las Meninas или Семейството на Филип IV (1656)
Стил: барок.
Описание на картината: най-значимото и известно платно на известния испански майстор на дворцовия портрет. И единствената картина на Веласкес, на която Филип IV и съпругата му Мариана са изобразени заедно. Те се отразяват в огледалото, зад наблюдателя, а художникът рисува техния портрет. В центъра на снимката е петгодишната им дъщеря инфанта Маргарита със свитата си, която изглежда по-възрастна и по-умна от годините си. Веласкес бил изправен пред трудна задача: той бил придворен художник и бил длъжен да "издигне" кралските особи. Но в същото време той се стремял да направи портретите възможно най-сходни с действителността, да предаде черти на характера и да запази индивидуалността.
Тържественото платно ви позволява да разберете разцвета на барока и да се потопите в придворната култура на Испания. Особено място в творчеството на Веласкес заемат джуджетата. Те били държани в двореца като домашни любимци. За да подчертае тази аналогия, художникът изобразява куче на преден план.
Местоположение: Испания, Мадрид, музей Прадо.
Ян Вермеер. "Млекарката" (1661)
Стил: барок.
Описание на картината: Холандската живопис се отличава с простотата на сюжетите. Художниците описват тихото ежедневие. Тази картина съчетава жанра на ежедневието и натюрморта. Акцентът е върху каната, струйката на млякото и хляба на масата. Въпреки малкия формат на творбите на Вермеер, той се смята не за малък, а за велик холандец.
Популярността на тази картина се дължи на факта, че няма скрити значения: тя е създадена, за да се насладите на цветовете, позицията на сенките и спокойната атмосфера на тихия дом. Първоначално такива произведения са създадени за обикновената публика и се считат за луксозни предмети, които трябва да присъстват във всеки дом.
Местоположение: Холандия, Амстердам, Rijksmuseum.
Рембранд Харменсон ван Рейн. „Завръщането на блудния син“ (1669)
Стил: барок.
Описание на картината: картината "Завръщането на блудния син" е пропита с вътрешна трагедия. Освен това не виждаме самия син, а само лицето на баща му. Трудностите, които синът е трябвало да понесе, са изразени чрез оръфаните му дрехи и износените обувки. Любопитно е, че Рембранд се опитва да избегне конфликта: ако притчата говори за гнева на послушния син, тогава в сюжета на платното хармонията не е нарушена по никакъв начин.
Рембранд става първият майстор сред художниците от 17 век, който изразява вътрешното движение на човешката душа. За разлика от ренесансовите художници, той не се поколебава да изложи неприятните моменти и се опита да коригира промените, които се случват с хората през целия живот.
Местоположение: Русия, Санкт Петербург, Ермитаж.
Теодор Жерико. "Потъването на Медуза" (1819)
Стил: романтизъм.
Описание на картината: платното изобразява историческо събитие, случило се през юли 1816 г.
Жерико пресъздава върху платното си реално събитие, прекарвайки го през призмата на собственото си въображение. Картината изобразява сутринта на последния ден от дрейфа, когато оцелелите виждат кораба Аргус на хоризонта. Жерико използва фигури на хора, направени от восък като макет, поставяйки ги върху модел на сал. Отнема му осем месеца, за да нарисува картината.
Местоположение: Франция, Париж, Лувър.
Едуард Мане. "Закуска на тревата" (1863)
Стил: реализъм.
Описание на картината: художникът е наречен "демон с безупречни маниери". Той идва от много интелигентно семейство, но в същото време често шокира обществеността. Картината "Закуска на тревата", която и до днес предизвиква двусмислени чувства сред публиката, предизвиква силно обществено възмущение, когато е представена на изложбата "Салон на отхвърлените". Преди Мане само богини били рисувани голи сред природата. Първоначално картината се казвала "Къпане". Обществото било възмутено не само от сюжета: двама мъже, облечени като денди, говорят помежду си, без да обръщат внимание на голата жена до тях. Също така било шокиращо, че художникът изобразява разпознаваеми хора.
Стойността на платното обаче съвсем не е в сюжета. Ако погледнете картината внимателно, може да получите усещането, че това е снимка, направена с ярка светкавица. Мане демонстрира ролята на дневната светлина в живописта, когато фигурата на гол човек изглежда по-плоска и по-лека. Този ефект е засилен от контраста с тъмните дрехи на мъжете. Впоследствие именно на това откритие на Мане се основава методът на художниците импресионисти, които променят подхода за предаване на дневна светлина и впечатления в живописта.
Местоположение: Франция, Париж, Musée d'Orsay.
Ван Гог. "Звездна нощ" (1889)
Стил: постимпресионизъм.
Описание на картината: Във връзка с тази картина Ван Гог пише на брат си Тео: „Все още имам нужда от религия. Затова излязох от къщата през нощта и започнах да рисувам звезди. В тази картина Ван Гог демонстрира в най-голяма степен своята уникална техника на нанасяне на боята с четката. Специални техники за наслагване на цветовете придават движение и динамика на картината. Ако внимателно наблюдавате платното, може да получите усещането, че изображението се движи. Ван Гон постига тази илюзия по различни начини: той може да изстиска боята директно върху платното, да ринсува с пръст или с гърба на четката. Поради големия брой слоеве се създава усещането, че щрихите предават не само цвета, но и структурата на звездното небе.
Ван Гог е казал: "Използвам цвета произволно, за да изразя себе си най-пълно." Тази невероятно красива и романтична творба е нарисувана година преди самоубийството на художника.
Местоположение: САЩ, Ню Йорк, Музей на модерното изкуство.
Пол Гоген. "Жена, държаща плод" (1893)
Стил: постимпресионизъм.
„Жена, държаща плод“ е нарисувана в таитянско селище. Според една версия, младата неомъжена съпруга на Гоген, таитянката Техура, позира за картината. Нейното мургаво тяло е изобразено в златисто-кафяв тон, а ясна, непрекъсната контурна линия я прави по-плътна и изразителна. Жълтият орнамент върху червената пола отразява листата на дърветата, символизиращи единството на жената с природата.
Пол Гоген вероятно може да се счита за първия дауншифтър. Той напуска успешния живот във Франция и заминава за Таити, където се жени. Художникът провъзгласява опростяване на формата. Работата му изглежда наивно детинска. Гоген отказва да прехвърли текстурата: изображенията му са направени сякаш от един материал, но в същото време всички пропорции са запазени. По време на живота му картините на Гоген не намират признание. Славата идва след смъртта му, когато 227 негови творби са показани на публиката в Париж.
Местоположение: Русия, Санкт Петербург, Ермитаж.
Едвард Мунк. "Викът" (1893)
Стил: експресионизъм.
Описание на картината: Норвежкият художник прави няколко версии на тази странна картина в пастел и масло. Има различни версии за появата на произведението. Мунк си спомня, че видял необичаен залез и решил да го изобрази. В пейзажа на "Викът" се отгатва гледката към фиорда на Осло от хълма Екеберг в Кристиания. Някои изследователи отбелязват, че наблизо се е намирала най-голямата кланица в Осло. Недалеч от нея имало психиатрична клиника, в която се лекувала по-малката сестра на Мунк - Лора. Може би ревът на закланите животни е бил смесен с виковете на психично болни и Мунк е изразил ужаса на тези звуци в сюжета си. Между другото, самият художник нарекъл работата си „Плачът на природата“. Не е напълно ясно: фигурата на преден план или крещи, или запушва ушите си, за да не чуе писък, който се излъчва наоколо в ярки вълни. В началото на 2000-те имаше спекулации по темата.
Странната творба на норвежкия художник се смята за началото на експресионизма. Картината е ценна, защото художникът успява да предизвика страх у зрителя не с трагизма на сюжета, а с образа. Според легендата двама души дори полудели в близост до картината. Веднъж това се случило при изпускане на платното, а втори път - при докосването му.
Местоположение: Норвегия, Осло, Национална галерия.
Клод Моне. „Руанската катедрала на слънце“ (1894)
Стил: импресионизъм.
Описание на картината: Клод Моне рисува около 30 изгледа на катедралата в Руан, всъщност от един и същи ъгъл. Всички тези картини са еквивалентни по художествена стойност. Така художникът показа как цветовете се променят в зависимост от времето на деня и метеорологичните условия. Той е рисувал катедралата в Руан сутрин, вечер, в облачни дни и т.н.
Впоследствие неговите изследвания оказват голямо влияние върху развитието на живописта. Небрежните мацвания на четката на художника в картината изобщо не се се появили от неспособността му да рисува. Факт е, че слънцето се движи много по-бързо, отколкото изглежда, и за да уловиш определен момент, трябваше да работиш много бързо. Освен това Моне изоставя контурите като символи на граници и създава обем с помощта на петна.
Местоположение : Франция, Париж, Musee d'Orsay.
Едгар Дега. "Сини танцьорки" (1897)
Стил: импресионизъм, реализъм.
Описание на картината: платното се смята за коронното постижение на Дега. Творбата принадлежи към късния етап от творчеството на художника. С възрастта зрението му отслабва и майсторът започва да работи с големи цветни петна. Той успява да създаде илюзията за движение. Върху квадратно платно художникът ясно изгражда композиция и въвежда в нея балерини от неочакван ъгъл. Известно е, че Дега е наблюдавал много балерини от различни точки на Парижката опера, включително зад кулисите, и ги е канил в студиото си за позиране. Възможно е едно и също момиче да е позирало и като модел.
Чертежът е направен в пастел: за да постигне прозрачност, Дега го поръсва с вряща вода. При по-внимателно разглеждане можете да видите следи от стичащи се водни капки. Въпреки факта, че художникът участва в почти всички изложби на импресионистите, самият той не се смята за един от тях. Според него всичко, което създава в картините, не е плод на впечатления, а на дълги размисли.
Местоположение: Русия, Москва, музей на името на А.С. Пушкин.
Пол Сезан. "Къпещи се" (1900)
Стил: постимпресионизъм.
Описание на картината: ако импресионистите гледат на всичко чрез светлинно и цветово възприятие, то Сезан вижда света чрез възприемането на обеми. Художникът твърди, че всичко може да бъде вписано в прости геометрични обекти - сфери, цилиндри, конуси. Затова неговите „Къпещи се” не се появяват като красиви момичета, а сякаш погледнати през призмите на различни форми.
Картината "Къпещи се" стана отправна точка за такава посока като кубизма. Затова се смята за знакова творба. Като цяло Сезан рисува къпещи се през целия си живот. В същото време художникът рядко използва модели за своите композиции, предпочитайки да взема изображения от други произведения на изкуството. Първоначално на картината има пет фигури. От дясната страна на платното се вижда изрисуваната фигура на друга жена. Картината е изпълнена в стила на характерните за Сезан мазки в две посоки. Първоначално публиката изобщо не го възприема като художник. Сезан се опитва да избяга от перспективата и да представи света като плосък, но работи много внимателно с цвета. Жанрът на творбите му принадлежи към постимпресионизма.
Местоположение: Дания, Копенхаген, Нова глиптотека на Карлсберг.
Густав Климт. "Целувката" (1908)
Стил: модернизъм.
В тази необичайна картина известният австрийски художник е избрал цветни заоблени форми за женската фигура и по-твърди правоъгълни за мъжа. В същото време ореолът около човека прилича на фалически символ. Любопитното е, че и двете фигури са на колене. Друга особеност на тази картина е, че е плоска и прилича повече на изискан орнамент.
"Целувката" се счита за модерна класика. Платното принадлежи към така наречения златен период от творчеството на Климт. По време на създаването на "Целувката" известният австрийски художник работи много със златния цвят и използва истински златни листа в творбите си. Първоначално картината става популярна именно заради този благороден метал.
Местоположение: Австрия, Виена, галерия Белведере.
Анри Матис. "Испанка с тамбура" (1909)
Стил: фовизъм.
Описание на картината: "Испанка с тамбура" не трябва да се разглежда като изображение на женска фигура. Това е преди всичко смес от необичайни цветове, които не могат да бъдат намерени в природата. Художникът самостоятелно намира невероятна смела комбинация от червено, зелено, синьо, черно и жълто, която предизвиква положителни емоции у зрителя.
За небрежната си работа Матис получава прякора "дивото животно". Той се обижда, но влиза в историята именно като фовист („див”). Тайната на картините на този художник се крие в това, че те не трябва да се разглеждат от гледна точка на смисъла и точността на изпълнение. Всъщност той става първият художник, превърнал рисуването в експериментална платформа. Матис не се страхува да смесва и съчетава всякакви цветове, сега тази техника е повсеместна в дизайна.
Местоположение: Русия, Москва, музей на името на А.С. Пушкин.
Василий Кандински. "Композиция № 7" (1913)
Стил: абстрактно изкуство.
Описание на картината: великият супрематист не се занимава сериозно с рисуване до 37-годишна възраст, въпреки че като дете взема уроци по рисуване. Работи като адвокат, докато не вижда картината „Купа сено” на Клод Моне. Кандински е изненадан как един абсолютно безинтересен обект може да удиви въображението, покривайки зрителя със сияние от светлина. Друга промяна в съзнанието на артиста се случва, когато той чува музиката на Рихард Вагнер и Александър Скрябин. Впечатлен от техните произведения, Кандински започва да създава своите „Композиции“, заимствайки този термин от музиката.
Новаторството на Кандински се крие във факта, че той е един от първите, които надхвърлят обективния свят. Той успява да докаже, че вихър от цветове, линии и точки може да повлияе на подсъзнанието на зрителя не по-малко силно от изображение, което предава реални обекти. Всъщност той пръв в историята на световното изкуство освобождава живописта от влиянието на предметите. Не виждаме нито дървета, нито къщи, нито хора, а само пластична форма.
Местоположение: Русия, Москва, Държавна Третяковска галерия.
Казимир Малевич. "Черен квадрат" (1915)
Стил: Супрематизъм.
Описание на картината: в "Черния квадрат" не трябва да търсите траурни мотиви, той е символ на безкрайни възможности, изобразени на бял фон. Черният цвят възниква в резултат на смесването на основните цветове. С работата си Малевич изразява идеята, че изкуството няма граници: няма граници на обективния свят, няма цвят, няма възприятие.
Една от най-загадъчните картини в света е част от триптих, включващ също "Черния кръг" и "Черния кръст". "Черен квадрат" изобщо не трябва да се приема като картина. Това е символ, измислен от Малевич, за да дефинира понятието "супрематизъм", когато чистата форма превъзхожда съдържанието. Според замисъла на художника геометричните обекти, лишени от смисъл, могат да бъдат красиви сами по себе си.
Местоположение: Русия, Москва, Държавна Третяковска галерия.
Салвадор Дали. „Постоянството на паметта“ (1931)
Стил: сюрреализъм.
Описание на картината: най-известната картина на Салвадор Дали. Той изразява идеята за "мекото" време, което според теорията на Алберт Айнщайн е относително. Любопитно е, че самият Салвадор Дали обяснява произхода на сюжета на „Постоянството на паметта“ с мисълта за природата на сиренето камамбер. Съпругата му Гала видяла картината, връщайки се от кино. Тя прогнозирала, че този шедьовър няма да бъде забравен от никого, след като го е видял поне веднъж.
Сюрреализмът е изкуството да се изобразяват сънища. Течението се превръща в реакцията на изкуството на цялата абсурдност на случващото се в света. Всичко познато променя структурата си: течностите стават твърди, а плътните предмети, напротив, започват да се разлагат. В същото време живото прониква във всички аспекти на живота.
Местоположение: САЩ, Ню Йорк, Музей на модерното изкуство.
Пабло Пикасо. "Герника" (1937)
Стил: сюрреализъм.
Описание на картината: нарисувана е по поръчка на правителството на Испанската република в памет на бомбардировката на град Герника. Това платно е с височина 3,5 метра и дължина почти 8 метра, изработено в черно и бяло. Пикасо го създава много бързо – за месец. Картината изобразява страдащи хора, животни и сгради, които са преобразени под въздействието на хаоса и насилието. "Герника" отлично илюстрира цялата трагедия на събитията от 20 век.
Пабло Пикасо за 20-ти век е Алберт Айнщайн в света на изкуството. Може да не харесвате произведенията му, но определено трябва да ги познавате. Художникът промени много посоки и никога не се затваряше в един стил, но през цялото време се опитваше да разшири обхвата на своята работа.
Местоположение: Испания, Мадрид, Музей на Рейна София.
